Pensavi di conoscere Stephen King? Ripensaci. Il maestro indiscusso dell’horror ha appena condiviso su X una lista che ha lasciato senza parole tutti i suoi fan: i suoi dieci film preferiti di sempre. E indovina un po’? C’è un solo film che si avvicina al genere horror. Il re del brivido che ha terrorizzato generazioni con “Shining” e “IT” si è rivelato un cinefilo dai gusti eclettici che preferisce Casablanca e Il Padrino ai suoi stessi capolavori del terrore.
La lista, pubblicata l’8 settembre 2025, ha scatenato un terremoto nel mondo del cinema. Stephen King ha specificato di aver escluso a priori quattro film tratti dalle sue opere – “Misery non deve morire”, “Le ali della libertà”, “Il miglio verde” e “Stand by Me – Ricordo di un’estate” – perché altrimenti non ci sarebbe stata gara. Ma quello che ha davvero sorpreso è la natura dei film scelti: drammi d’autore, thriller psicologici, commedie romantiche e un solo horror.
Non stiamo parlando di una classifica ordinata, ma di una selezione personale che rivela gusti cinematografici raffinati e sorprendentemente variegati. King ha 77 anni, ha scritto oltre 60 romanzi e ha visto nascere centinaia di adattamenti delle sue opere, eppure la sua passione per il cinema spazia ben oltre i confini dell’horror soprannaturale, abbracciando quello che lui stesso considera il meglio della settima arte.
I capolavori che hanno conquistato il re dell’horror
Il salario della paura (Sorcerer)
Il primo film della lista è “Il salario della paura” di William Friedkin del 1977, da non confondere con il celebre “Salario della paura” di Henri-Georges Clouzot del 1953. Questo remake americano, all’epoca un clamoroso flop commerciale, è oggi considerato uno dei capolavori più sottovalutati del cinema degli anni Settanta. La pellicola racconta la storia di quattro uomini disperati che accettano di trasportare nitroglicerina attraverso terreni impervi del Sud America per guadagnare abbastanza denaro da ricostruire le loro vite. Friedkin costruisce un thriller esistenziale di rara intensità, dove la tensione nasce dalla costante minaccia di morte e dalla consapevolezza che ogni movimento potrebbe essere l’ultimo. La scelta di King rivela il suo apprezzamento per il cinema che esplora la natura umana sotto pressione estrema, un tema ricorrente anche nelle sue opere letterarie.
Il Padrino – Parte II (The Godfather Part II)
La presenza de “Il Padrino – Parte II” di Francis Ford Coppola non sorprende, considerando che molti critici lo considerano superiore al primo capitolo. Il film del 1974 rappresenta uno dei vertici assoluti del cinema americano, capace di funzionare sia come sequel che come prequel, raccontando in parallelo l’ascesa di Vito Corleone e il declino morale di suo figlio Michael. King dimostra di apprezzare la complessità narrativa strutturale e la profondità psicologica dei personaggi, elementi che caratterizzano anche le sue opere più riuscite. La pellicola esplora temi cari allo scrittore: il potere, la corruzione, la famiglia e il prezzo che si paga per mantenere il controllo. La regia di Coppola, capace di alternare intimismo e spettacolarità, rappresenta un modello di narrazione cinematografica matura che va ben oltre il semplice intrattenimento.
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Getaway! (The Getaway)
“Getaway!” di Sam Peckinpah del 1972, con Steve McQueen e Ali MacGraw, rappresenta la passione di King per il cinema d’azione degli anni Settanta. Il film racconta la fuga di Doc McCoy, un rapinatore appena uscito di prigione che, dopo aver compiuto un ultimo colpo, si ritrova braccato dalla polizia e dai suoi stessi complici insieme alla moglie Carol. Tratto dal romanzo di Jim Thompson e sceneggiato da Walter Hill, il film condivide con King l’interesse per i personaggi moralmente ambigui e le situazioni limite. Peckinpah costruisce un road movie crepuscolare dove la violenza è sempre latente e l’amore rappresenta l’unica possibile redenzione. La fotografia di Lucien Ballard cattura perfettamente l’atmosfera arida del Texas, mentre la colonna sonora di Quincy Jones aggiunge una dimensione jazzistica che eleva il film sopra la media del genere action dell’epoca.
Ricomincio da capo (Groundhog Day)
La vera sorpresa arriva con “Ricomincio da capo” del 1993, la commedia filosofica di Harold Ramis con Bill Murray che ha ridefinito il concetto di commedia esistenziale. Il film racconta di Phil Connors, un meteorologo cinico che si ritrova intrappolato in un loop temporale, costretto a rivivere lo stesso giorno fino a quando non diventerà una persona migliore. King dimostra di apprezzare la capacità del film di mescolare umorismo e profondità, creando una riflessione sul senso della vita, la crescita personale e il valore delle relazioni umane attraverso un meccanismo narrativo fantastico ma mai fine a se stesso. La pellicola esplora temi universali come la ricerca della felicità, l’importanza dell’empatia e la possibilità di cambiamento personale, argomenti che risuonano fortemente nella sensibilità di King scrittore.
Casablanca
“Casablanca” di Michael Curtiz del 1942 rappresenta probabilmente il film più amato della storia del cinema. La scelta conferma il gusto classico di King per le storie d’amore impossibili e i personaggi tormentati. Humphrey Bogart nei panni di Rick Blaine e Ingrid Bergman in quelli di Ilsa Lund incarnano l’essenza del cinema romantico hollywoodiano, ma la pellicola va ben oltre la semplice love story. Ambientato durante la Seconda Guerra Mondiale, il film esplora temi come il sacrificio personale, l’idealismo politico e la difficile scelta tra amore e dovere. La sceneggiatura, ricca di dialoghi memorabili, e la regia di Curtiz creano un’atmosfera unica che ha reso il film un classico senza tempo. King apprezza evidentemente la capacità di Casablanca di funzionare su più livelli: come melodramma romantico, come thriller bellico e come riflessione sui valori morali in tempi di crisi.
Il tesoro della Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre)
“Il tesoro della Sierra Madre” di John Huston del 1948 rivela l’interesse di King per le storie di avidità e corruzione umana. Il film, con Humphrey Bogart in una delle sue interpretazioni più intense, racconta di tre americani disperati che partono alla ricerca dell’oro nelle montagne messicane, solo per scoprire che la vera minaccia non viene dai banditi o dalla natura, ma dalla loro stessa cupidigia. Huston costruisce un apologo morale sulla natura umana quando viene messa alla prova dalla tentazione, esplorando come la sete di ricchezza possa corrompere anche le persone apparentemente più integre. Il film anticipa molti temi che King svilupperà nei suoi romanzi: l’isolamento, la paranoia, la trasformazione dei personaggi sotto pressione e la sottile linea che separa la civiltà dalla barbarie. La performance di Bogart, lontana dal suo solito personaggio di eroe romantico, dimostra la sua versatilità attoriale.
Lo squalo (Jaws)
“Lo squalo” di Steven Spielberg del 1975 rappresenta l’unico film della lista che si avvicina al genere horror, anche se spesso viene classificato come thriller con elementi horror. Il film ha ridefinito il concetto di blockbuster moderno e ha dimostrato come si possa creare terrore e suspense senza mostrare costantemente la fonte della minaccia. Una lezione che King ha applicato magistralmente nei suoi romanzi, dove spesso la paura nasce da ciò che non si vede o non si comprende completamente. La pellicola racconta l’attacco di uno squalo bianco alla cittadina balneare di Amity Island e la caccia per eliminare la minaccia. Spielberg costruisce la suspense attraverso una regia minimalista che privilegia la suggestione all’esibizione, creando uno dei thriller più efficaci di sempre. Il film esplora anche temi sociali come la corruzione politica, gli interessi economici che prevalgono sulla sicurezza pubblica e l’eroismo di persone comuni. È interessante notare come King abbia scelto un “horror naturale” piuttosto che i classici dell’horror soprannaturale.
Mean Streets
“Mean Streets” di Martin Scorsese del 1973 conferma l’amore di King per il cinema d’autore americano degli anni Settanta. Il film, con Robert De Niro e Harvey Keitel, esplora la vita del crimine nella Little Italy di New York attraverso gli occhi di Charlie, un piccolo mafioso tormentato dal senso di colpa religioso. Scorsese costruisce un affresco urbano dove violenza e spiritualità si intrecciano costantemente, creando un ritratto crudo ma poetico della marginalità urbana. Il film è importante nella storia del cinema per il suo stile visivo innovativo, l’uso rivoluzionario della musica rock e l’approccio quasi documentaristico alla rappresentazione della vita di strada. King apprezza evidentemente la capacità di Scorsese di trovare umanità e complessità anche nei personaggi più disperati, un approccio che caratterizza anche molti dei suoi antieroi letterari.
Incontri ravvicinati del terzo tipo (Close Encounters of the Third Kind)
“Incontri ravvicinati del terzo tipo” di Spielberg del 1977 dimostra come King apprezzi la fantascienza contemplativa e spirituale. Il film racconta l’ossessione di Roy Neary per gli UFO dopo un incontro ravvicinato, esplorando temi come il contatto con l’ignoto, la ricerca di significato e la trasformazione personale. Spielberg privilegia il senso del mistero e della meraviglia rispetto agli effetti speciali, creando un’esperienza cinematografica che parla più al cuore che alla mente. Il film condivide con le opere di King la capacità di trovare l’straordinario nell’ordinario, mostrando come eventi paranormali possano irrompere nella vita quotidiana di persone comuni. La pellicola esplora anche il costo personale dell’ossessione e il conflitto tra doveri familiari e chiamata superiore, temi ricorrenti nella narrativa di King.
La fiamma del peccato (Double Indemnity)
“La fiamma del peccato” di Billy Wilder del 1944 conclude la lista con un capolavoro del noir classico. Il film, con Fred MacMurray e Barbara Stanwyck, racconta la storia di un agente assicurativo che si lascia convincere da una donna fatale a uccidere suo marito per intascare l’assicurazione sulla vita. Wilder costruisce un thriller psicologico perfetto, dove ogni elemento contribuisce a creare un’atmosfera di doom inevitabile. La sceneggiatura, co-scritta da Raymond Chandler, rappresenta l’apice della scrittura noir americana, mentre la fotografia in bianco e nero di John Seitz crea giochi di luci e ombre che riflettono la moralità ambigua dei personaggi. King apprezza evidentemente la capacità del film di esplorare la manipolazione psicologica e i destini incrociati, elementi che ricorrono frequentemente anche nelle sue opere più mature.
Cosa ci dice questa lista su Stephen King
La selezione rivela un King cinefilo raffinato che privilegia la qualità artistica rispetto al genere. I film scelti condividono alcuni elementi fondamentali: personaggi complessi e sfaccettati, storie che esplorano la natura umana nei suoi aspetti più profondi, regia d’autore che va oltre il semplice intrattenimento e sceneggiature solide che resistono alla prova del tempo.
Particolarmente interessante è la presenza di un solo film horror (Lo squalo), mentre mancano completamente i classici dell’horror soprannaturale che hanno ispirato la sua carriera. King sembra voler distinguere tra la sua passione per la scrittura horror e i suoi gusti cinematografici personali, dimostrando una maturità artistica che va oltre le categorizzazioni di genere e abbraccia il cinema come forma d’arte universale.
Cosa ne pensi della lista di Stephen King? Ti sorprende che abbia incluso solo “Lo squalo” come film horror? Quale di questi film condividi con il maestro del brivido e quale invece non avresti mai incluso? Raccontaci nei commenti la tua personale top 10 e scopriamo se i tuoi gusti cinematografici si avvicinano a quelli del re dell’horror!
